Вивченням народної творчості займалися завжди.
На основі вивченого створювалися нові твори мистецтва. У них художня правда знаходила своє специфічне втілення, свій конкретно-чуттєвий образ, обумовлений виразними засобами даного виду мистецтва. У музиці - виразний засіб поєднання звуків і ритмів, в поезії - слово, в живописі - поєднання фарб, світла і тіні, в хореографічному ж мистецтві виразним засобом є пластика людського тіла: руху, пози, жести, міміка.
Мистецтво хореографії наших днів тісно пов'язане зі своїми витоками, з реалістичними традиціями народного мистецтва. В його основі лежить прагнення людей відобразити навколишній світ. Виникнувши ще на ранніх етапах людського розвитку, танець еволюціонував разом з розвитком людського суспільства. «Еволюція форм народної творчості, в тому числі і хореографії, завжди протікала в залежності від змін адміністративного, господарсько-побутового та релігійного порядку». (Голейзовський К.Я. «Зразки російської хореографії». М. Мистецтво, 1964. С. 7).
З плином часу танцювальні рухи втрачали первісну смислове навантаження і перетворювалися на засіб вираження емоцій, в них зростала ступінь естетичного начала. Значення одного і того ж руху ставало нескінченно різноманітним. Воно могло приймати безліч емоційних відтінків. Наприклад, елементи російської національної танцю можна зустріти в танцях інших народів. «Простий танцювальний крок» є невід'ємним елементом майже будь-якого танцю, танцювальний елемент «мотузочок» зустрічається поряд з російським в іспанському, молдавському танцях і т.д. А такі елементи, як стрибки, притупування, складають лексичну основу багатьох народних танців. Але кожен з наведених елементів в танцях різних народів має свою неповторну особливість, колорит, які і складають художню суть народного танцю.
Танцювальна культура російського народу багата саме різноманітністю художніх особливостей, які проявляються в образності, в лексичної манері, стилі виконання. У них укладені загальнонаціональні риси російського народу і специфічні особливості різних країв, областей, регіонів.
Протягом століть балетна сцена була надбанням привілейованого класу і всіляко оберегалась від безпосереднього впливу фольклору, а народні танці часто мали дуже віддалене спорідненість зі своїми першоджерелами. Угорський, іспанська, польська, східний танці, які отримали доступ на сцену, розкривали свій національний характер і то лише в загальних рисах. Російська ж танець часто виконувався в «напудреній» вигляді і нічого спільного зі справжніми танцями не мав. Тільки прогресивно мислячі хореографи прагнули наблизити сценічний танець до його народних джерел.
У сучасну епоху для танцювального фольклору відкривається широкий доступ на сцену. Ніколи раніше сцена не бачила мистецтва більш яскравого, натхненного, ніж мистецтво народного фольклору. Створення сучасного народного танцю, його сценічна обробка були б неможливі без глибокого вивчення народної творчості.
Розглянемо деякі особливості сценічної обробки фольклорного матеріалу. При сценічній обробці танцю балетмейстер повинен створити нові художні твори, співзвучні нашій епосі, підняти їх на вищий щабель і не розгубити тих перлин, які створив народ. Перший час, коли не було ще відправних моментів в обробці танцю, балетмейстер просто переносив його на сцену або в побутовому етнографічному вигляді, або в дуже зміненому.
Початок новому відношенню до хореографічного фольклору поклав ансамбль танцю під керівництвом І. Моісеєва. Яскрава театральність форми поєднувалася з глибоким проникненням в національний характер народу. Цим шляхом пішли й інші колективи, для яких народна творчість стало основою творчої діяльності. Кожен з цих колективів прагнув знайти свій стиль, свій метод сценічної обробки фольклору. Але балетмейстер, що охопив в народному танці першу стихію, може розвинути її і забрати вище свого оригіналу, як музичний геній з простої, почутою на вулиці пісні створює цілу поему.
У побуті народ танцює не для глядача, а для себе. І якщо танець перенести на сцену в цьому виді, відразу виявиться фальш. Будуть порушені головні умови: «для себе».
Танець для глядача не може бути краплею життєвої танці. З'являється глядач, а з ним з'являється театр, закони якого потрібно дотримуватися. Перш, ніж приступити до створення народного танцю на сцені, балетмейстер повинен вивчити звичаї, обряди, спосіб життя цього народу, характер занять, економіку і географічне положення. При створенні сценічного танцю на основі фольклору важливо зберегти його ідею, думку, закладену в танці, стильову гаму виконання. З фольклорним танцем треба обходитися дбайливо. Здійснюючи сценічну обробку, балетмейстер повинен зберегти все, що стосується характеру народу, манери виконання, і в той же час розвинути і збагатити лексику, малюнок, прикрасити твір, але таким чином, щоб не зіпсувати того головного, що було закладено в першооснові. І ні в якому разі не можна вносити в танець чужі елементи, руху, які не властиві даному народу, виконувати їх не в тому темпі і ритмі, який був в першооснові. Кадриль, хоровод, танець популярні в багатьох областях Росії. Їх виконують по-різному. Наприклад, хоровод в Архангельській області сповнений строгості, стриманості рухів. Тут немає з'єднання з танцем. Ігрові прийоми скупі, побудовані на внутрішньому темперамент. Среднерусские хороводи менш стримані. У них багато хороводів і хороводних ігор з хусткою, який заміняв різні предмети. У південних областях відзначається присутність «танків» і «Карагодов». У танках-хороводах ніколи не спостерігалися ігрові елементи. Карагод більше нагадують масові танці, виконувані жваво, весело, життєрадісно. Якщо хороводи будуються в основному на танцювальному кроці і на хитромудрих змінах малюнка, то в карагод можна спостерігати присутність різноманітних за ритмом танцювальних рухів.
Основні трудові процеси впливають на техніку танців, манеру виконання. Для балетмейстера ці враження можуть дати поштовх для постановки. «Хіба, - запитував Ж.Ж. Новер, - він (балетмейстер) не зустрінеться з безліччю різноманітних картин в життя ремісників? У кожного з них своя поза залежно від положень і рухів, які визначаються характером їх праці. Він повинен вловити їх ходу, манеру рухатися і триматися, завжди схожу з їх ремеслом ». Умови життя і клімат відкладають свій відбиток на манеру руху. На Півночі, ймовірно, найбільш сувора манера. Тут свій вплив надав костюм. Підстрибування дівчат вважалося непристойним. Хід дівчат плавний, голова повертається разом з корпусом. Юнаки дуже уважні до дівчат. У них немає хлопавок і прісядок.
Народні танці прекрасні. І не варто примітивно підходити до оцінки народного мистецтва, вважаючи його недосконалим. Адже без цієї основи не могли б з'явитися й існувати прекрасні витвори мистецтва, створені професійними та самодіяльними майстрами.
Один із способів роботи балетмейстера з фольклорно-етнографічним матеріалом заснований на з'єднанні танцю з іншими видами мистецтва або народної творчості.
Народна творчість має бути невід'ємною частиною в створенні сценічного танцю, основним в художньому задумі творця.
Візьмемо палехские лакову мініатюру. Якщо «у Пушкіна що не рядок, то картина», то у палехских художників - що ні мініатюра, то поема. Теми їх різні. Рухи героїв музичні й ритмічні, лінії співучі. Тут і теми, і сюжети, і пластичне рішення. А придивимося до мережива, вишивки, ткацтва. Все має безліч малюнків: геометричних, рослинних, що зображують тварин і птахів. Перевівши їх площинне рішення в об'ємне, можна отримати оригінальне хореографічне твір. Кожен з цих видів народної творчості має свої назви, образи. При перенесенні малюнка з вишивки, мережива або ткацтва необхідно звернути увагу:
- на назву традиційних елементів малюнка: древо щастя, ведмежа лапа, вазон, павич і т.д .;
- на симетрію і асиметрію малюнка. Іноді в одному малюнку поєднується зовнішня асиметрія з внутрішньої симетрією. Це добре видно в орловськ спис, його малюнок є хорошим джерелом при створенні хореографічних композицій для масових уявлень, гулянь, ярмарків;
- на малюнки, які піддаються зображенню їх рухами і позами танцю;
- на те, щоб малюнок танцю був пізнаваний в малюнку мережива, вишивки, ткацтва;
- на те, щоб взятий з вишивки малюнок надалі давав можливість балетмейстеру хореографічно його розробити, але так, щоб при розробці не губився основний малюнок, взятий з першоджерела.
Розвиток танцювальної лексики і композиційного малюнка становить основу при створенні сценічного хореографічного твору. Незалежно від джерела створення сценічного варіанта треба завжди пам'ятати, що поряд з механічним складанням комбінацій і малюнків існує логічне з'єднання, коли береться основний рух (рисунок) і по ходу викладу (розвитку) на нього нанизуються нові руху. А це призводить в кінцевому результаті до появи нових рухів, комбінацій (малюнка), що в свою чергу благотворно впливає на сприйняття комбінацій (малюнка) і в танці в цілому. На сприйняття впливає також кількісний повтор одного і того ж руху (малюнка), що випливає з ідейно-художнього задуму і завдання, які ставить балетмейстер. Проте на кожну комбінацію, фрагмент, танець в цілому балетмейстер повинен дивитися ще і очима глядача, почуття міри - основне правило при створенні будь-якого художнього твору.
Якщо при збиранні фольклорного хореографічного матеріалу, як уже говорилося вище, особливу цінність представляє своєрідна танцювальна манера, то при створенні сценічної композиції манера важлива подвійно. Саме вона створює той колорит, який надає хореографічному твору художню спрямованість. При порівняно однаковому виконанні рухів ногами (іноді ритмічне відмінність) положення рук зустрічаються найрізноманітніші. Вони-то і дають можливість відрізнити танець однієї області (села) від іншої, один танець від іншого.
Для успішної роботи над сценічним втіленням народних першоджерел необхідно оволодіти навичками пошуково-дослідницької роботи (збирання і запис матеріалу), знати основні закономірності розвитку танцювальних форм, оволодіти методикою узагальнення і обробки художнього відтворення хореографічного фольклору.
Приступаючи до збирання і записи танцювального фольклору, учасники наукових експедицій повинні, перш за все, ознайомитися з географічним розташуванням і природними умовами, побутом і національними особливостями досліджуваного району. Знайомлячись з хореографічною культурою будь-якого району необхідно вивчити всі види фольклору як існуючі в даний час, так і збережені в пам'яті старшого покоління. Це і нові місцеві танці, виконувані в побуті, на святах, масових гуляннях, а також танці, створені в результаті творчого процесу балетмейстерів на місцевому музичному, пісенному і танцювальному фольклорі.
Запис танцювальних рухів, музики і тексту музично-пісенного супроводу, кіно- і фотозйомки потрібно проводити одночасно.
Запис танцю вимагає великої уваги і спостережливості. Приступаючи до дослідження, потрібно звернути увагу на наступне:
1. Назва місцевості, де записувався танцювальний матеріал, назва танців. Хто і чому дав їм таку назву?
2. Місцевий це танець, і з якими історичними і побутовими явищами пов'язано його поява? Якщо завезений, то звідки, коли і як з'явився в цих місцях?
3. В яку пору року найчастіше виконується?
4. Яке становище рук в чоловічому, жіночому танці, положення рук в парі?
5. Яка кількість танцюючих, зустрічаються чи фігурні танці в дві, три, чотири, шість, вісім пар відразу, скільки в них фігур, їх назва?
6. Де найчастіше виконували танець - на відкритому просторі або в замкнутому приміщенні?
7. Який темп танцю - швидкий або повільний, відповідно руху - дрібні або широкі, назви окремих рухів?
8. Що супроводжує танець - музика, пісня, приспівки, підголоски і хто їх виконує?
9. Які особливості малюнків танцю, їх назви?
10. Чи використовуються танцювальні атрибути?
Після того, як всі відомості будуть систематизовані та узагальнені - відомості про побутування фольклору, його традиційних особливостях (манера, характер виконання, основні кроки, рухи жіночого і чоловічого танцю), необхідно виявити його зміни відповідно до зміни часу.
Як вже говорилося, знайомство з народним фольклором тієї чи іншої області дозволяє в результаті точно знати, чим багатий той край або область. Правда, не всі танці, існуючі в народі, в рівній мірі цінні і служать основою для обробки і створення сценічного варіанта.
Здійснюючи відбір і сценічну обробку народного танцю, потрібно прагнути дбайливо зберегти все краще, що відбиває риси характеру російської людини. Збагачуючи малюнок танцю, підкреслюючи красиве і типове, потрібно прагнути відібрати з рухів найбільш виразні, ретельно стежити, щоб в новому сценічному варіанті не було чужих елементів, які деформують народну основу.
Протягом багатьох століть народ, цей геніальний майстер-хореограф, удосконалює, збагачує, прикрашає всі форми і види нашого народного танцю, на базі старовинних танців створює нові хореографічні твори. А майстри професійного мистецтва збирають, вивчають народну творчість, обробляють його для показу на сцені. А потім ці танці й танці підхоплюються художньою самодіяльністю і повертаються в народ.
доцент кафедри хореографії ОГІІК