Архітектура бароко - період у розвитку архітектури країн Європи і Америки (особливо в Центральній і Південній), що охопив приблизно 150-200 років. Період почався в кінці XVI століття і завершився в кінці XVIII. Бароко (як стиль) охопило всі види мистецтва, але найбільш яскраво відбилося в живопису, театрі (і пов'язаної з ним літературі, музиці) і архітектурі.
Коріння бароко йдуть в архітектуру епохи Відродження. Перший дійсно великий і величний ансамбль створив у Ватикані Браманте. Це двір Бельведер протяжністю 300 метрів, який був побудований в єдиному стилі при збереженні різних функцій будівель (Бельведер з античними скульптурами, регулярний сад, Ватиканська бібліотека і театр під відкритим небом.) Але всі форми архітектури досить спокійні, врівноважені. Це ще не бароко.
Ідею Браманте по створенню ансамблю з декількох будівель підхопив Виньола (1507-1573). Він не мав таких можливостей як Браманте у використанні багатьох будматеріалів і площ. Тому його ансамбль вілли Джулія для Папи Римського Юлія III (понтифік у 1550-1555 роках) невеликих розмірів. Віллі притаманні вже всі риси бароко - єдиний ансамбль з павільйонами, садом, фонтаном, сходинками різних типів, що зв'язують тераси різного рівня. Вілла ще сильно відокремлена від навколишнього середовища, замкнута на себе, як більшість будівель Відродження, а її архітектура теж врівноважена, як і більшість споруд епохи Відродження.
Напруженість, гігантські розміри і емоційну насиченість архітектурі. Саме в творах Виньола і пізнього Мікеланджело дослідники бачать витоки архітектури бароко.
Бароко як стиль раніше всього і найбільш виразно проявився в Італії. Ця країна в XVI - XVIII століттях складалася з ряду дрібних держав, зовнішньополітичне, і економічне становище яких відрізнялося складністю і нестійкістю. Матеріальна база будівництва була обмежена. Провідна роль в розвитку архітектури належала католицькій церкві, Ватикану, який прагнув підтримати свій престиж шляхом зведення численних храмів, не настільки великих за розмірами, але завжди оформлених надзвичайно ефектно і емоційно вражаюче.
Бароко зародився в Італії вже в період пізнього Ренесансу. Його принципи в повній мірі отримали свій розвиток в XVI в. в роботах архітекторів Риму. Cо другої половини XVI ст. виникають художньо більш складні житлові споруди. Своєрідний характер мають панські маєтки, що відповідають вимогам безпеки і одночасно представляють собою зручні садиби. Зазвичай це чотиристоронні в плані споруди з кутовими вежами або еркерами.
Найбільш яскраві і характерні пам'ятники бароко в Італії пов'язані з найбільшими майстрами XVII століття - Лоренцо Берніні, Гваріно Гваріні, Франческо Борроміні, Карло Райнальди, Бальдассаре Лонга і іншими.
В середині XVIII століття в архітектурі Італії і в інших країнах Європи відзначається вже перехід до класицизму.
Наступне покоління архітекторів бароко виховає великого італійського архітектора Борроміні.
Цікавий шлях як архітектор бароко пройшов Ювара. Він починав як сценограф і помічник в перебудові театральних будівель. Не всі його проекти знайшли своє втілення. Але від будинку до будинку він набрав досвід. Якщо Доменіко Фонтана (1543-1607) або Франческо Каратті (? -1675) використовували тип подовженого палацу-блоку без гри обсягів, Ювара підсилює виразність своїх палаців діагональними побудовами, ризалитами, грою різних обсягів. Декор стає все більш стриманим, не уникає руста, пілястр і колон, таких звичних для класицизму. Але будівлі не стають зразками класицизму, зберігаючи велич, різноманітність і красу саме бароко. Важливою відмінністю архітектурного стилю Ювари стали надзвичайно виразні силуети будівель (замок Ступініджі, Мадридський королівський палац, особливо базиліка Суперга). приклади - Палаццо Каріньяно (арх.Гваріно Гваріні), Королівський палац у Мадриді, Ступініджі поблизу Турина, Палац Мафра в Португалії
Багато майстрів Італії, не знаходили на батьківщині ні замовлень, ні застосування своїм знанням. Відомо участь майстрів Італії ще в побудові готичних соборів Франції. У XVII столітті архітектори Італії розвезли нові архітектурні ідеї по всій Західній Європі.
20 Скульптура італійського бароко на прикладі творчості Лоренцо Берніні.
(Bernini) Джованні Лоренцо (1598, Неаполь - 1680, Рим), італійський архітектор і скульптор, найбільший представник стилю бароко. Навчався у батька, П. Берніні, відомого скульптора. Випробував вплив живопису болонської школи, а також скульптури епохи еллінізму.
Спанская живопис 17 століття.
Іспанський живопис XVII століття. Живопис іспанського Золотого століття, епохи бароко - епоха найвищого розквіту іспанського образотворчого мистецтва. Дослідник іспанського мистецтва Тетяна Каптерева відзначає такі характерні риси живопису даного періоду: переважання гостроти спостереження натури над художнім уявою концентрація уваги на людину, з виключенням інших пластів сприйняття реальності (це вело до слабкого розвитку пейзажу і своєрідному, позасюжетний розвитку побутового жанру).
Зображення людини при цьому обмежувалося, здебільшого, релігійною тематикою, і єдиним світським жанром, який заохочувався, був портрет.
Важливим фактором формування іспанського мистецтва була ідеологія. У цей період в Іспанії діяло величезна кількість чернечих орденів, мали велику матеріальну і духовну владу. Саме вони виступали основними замовниками творів мистецтва. Крім того, в 1-й пол. XVII століття було слабо розвинене ремесло фрески, і заміщати її при оздобленні храмів доводилося станковим живописом.
Період становлення іспанського живопису - це кінець 16 - 1-я чверть 17-го століття, коли активно розвиваються місцеві школи (Севілья Франсиско Пачеко, Алонсо Васкес, Антоніо Моедано, Хуан де Роелас, Хуан де Кастільо. Пабло леготом, Франсиско Еррера-Старший, Крістобаль Рамірес.
, Валенсія Франсіско Рібальта, Хуан де Рібальта, Школа Рібальти, Хусепе Рібера, Херонімо Хасінто Еспіноса, Естебан Марч, Мігель Марч ін.), А також на іспанський грунт проникають і активно адаптуються прийоми караваджизма.
Творчість Дієго Веласкеса.
У портретах придворних, друзів, учнів Веласкес накопичував і синтезував свої спостереження, відбирав необхідні образотворчі засоби. У цих полотнах зазвичай відсутні аксесуари, жести, рух. Нейтральний фон завдяки тонкому співвідношенню валеров володіє глибиною і легкістю; темні тони убрань спрямовують увагу глядача на рівно освітлені обличчя. Знайдені для кожного портрета неповторні поєднання відтінків сріблясто-сірого, оливкового, сіро-коричневого кольорів при загальній стриманості гами створюють індивідуальний лад образів (портрети: Хуана Матеоса, близько 1632, Картинна галерея, Дрезден; графа-герцога Олівареса, близько 1638 році, Ермітаж, Санкт Петербург; "Дама з віялом", близько 1648, збори Уоллес, Лондон; серія портретів інфант, Лувр, Прадо).
Мудра неупередженість і людяність Веласкеса втілилися в його портретах королівських блазнів і карликів (Ель Бобо з Коріі, Ель Прімо, так званого Хуана Австрійського, Себастьяна Мора і інших, все - 1631-1648, Прадо, Мадрид). Тонко і точно розроблена гамма червоних і рожевих відтінків - емоційний ключ до розуміння жорстко-правдивого образу папи Інокентія Х (1650, Галерея Доріа-Памфілі, Рим), портрет якого Веласкес написав під час другої поїздки до Італії в кінці 1648 - середині 1651 років.
До цього ж періоду відносяться "Венера перед дзеркалом" (близько 1650, Національна галерея, Лондон), в якій незвичайний композиційний прийом (обличчя Венери видно тільки в дзеркалі) надає особливу свіжість і гостроту зображенню гнучкого, стрункого, повного життєвого чарівності оголеного жіночого тіла, а також два пейзажу "Вілла Медічі" (1650-1651, Прадо, Мадрид; по іншому думку - близько 1630), в надзвичайно для свого часу широкої мальовничій манері відтворюють цілісні образи природи.
В останні роки життя Дієго Веласкес написав дві найзнаменитіші свої картини. У картині "Меніни" ( "Фрейліни", тисяча шістсот п'ятьдесят сім, Прадо, Мадрид) приватний епізод придворного побуту (на першому плані - інфанта Маргарита в оточенні фрейлін і карликів, поруч - сам художник за виконанням портрета іспанської королівської пари, відображеної в дзеркалі в глибині залу ), зображений в сміливому просторовому розвороті, постає як один з моментів загального плину життя у всій складності її взаємопов'язаних і мінливих проявів. Чарівна краса і живописне різноманіття реальності втілилися в сіро-перловому колориті картини з нанесеними вільними ударами кисті блакитними, рожевими, темно-сірими, коричневими прозорими мазками.
В іншому, більш мажорному колористичному ключі написані "Пряхи" (1 657, Прадо, Мадрид), сцена в королівській майстерні килимів з фігурами пряль на першому плані і яскраво освітленим сонячним світлом приміщенням в глибині композиції, де придворні дами оглядають готовий килим, який зображає міф про Арахне - ткалі, що перевершила в своїй майстерності богиню Афіну. Контрасти освітлення, "двошарове" просторове побудова композиції, свого роду золотий пил, огортає фігури пряль, створюють в картині особливу атмосферу загального для всіх персонажів почуття, що об'єднує в собі всі їхні рухи, жести, душевні імпульси.
У пізніх творах Веласкеса з найбільшою повнотою позначилися особливості його творчого методу: глибоке розуміння життя у всьому багатстві і суперечливості її проявів, цілісність її образно-пластичного втілення, єдність всіх елементів художньої форми. Живописець Дієго Веласкес писав без попередніх начерків, прямо на полотні, органічно поєднуючи безпосередні враження від натури з суворою продуманістю композиції, досягаючи враження, здавалося б, вільної імпровізації і разом з тим широкого узагальнення. Творчість художника Веласкеса є вершиною іспанського живопису XVII століття і одним з найяскравіших явищ світового мистецтва.