У розділі рейтинг знаходиться статистика по всім блогерам і співтовариствам, які потрапляли в основний топ. Рейтинг блогерів вважається виходячи з кількості постів, які вийшли в топ, часу знаходження поста в топі і яку він обіймав позиції.
БІЛЬШЕ НІЖ ВИСТАВКА (Оголена краса)
Теодор Шассерио. Купальниця, заснула біля струмка. 1850. Полотно, олія. 137 x 210 см. З колекції музею Кальве, Авіньйон.
Оголена натура - не просто жанр живопису, а й символ світового мистецтва. Багато століть поспіль найбільші художники всіх епох оспівували красу оголеного тіла, від епохи до епохи змінювалися смаки і уявлення про красу. Жанр ню в образотворчому мистецтві зародився в епоху Відродження, коли художники були обмежені рамками міфологічних і алегоричних образів. Художники цього часу втілювали у своїй творчості ідеальні філософсько-поетичні уявлення про жіночу красу. Художники епохи бароко створювали вже більш чуттєві жіночі образи. На початку XIX століття деякі художники намагалися повернути класичні канони краси, але вже в середині століття ряд живописців використовував ню для створення досить еклектичних творів. Наприклад, кілька суперечливе враження справляє «Купальниця, заснула біля струмка» Теодора Шассерио. Традиційна класична композиція, барвиста мальовнича структура, але чуттєвість тут доведена до солодкавості.
Поль Сезанн. Що стоїть оголена. Близько 1899. Полотно, олія. 92,7 x 71,1 см. Приватна колекція (раніше колекція Амбруаза Воллара).
У XX столітті в живопису жанр ню поступово почав вичерпувати себе, тому живописці шукають нові шляхи художнього вираження.
У «стоїть оголена» Поля Сезанна форми огрубляя, великовагових, і в цьому, так само, як в її наготі, відчувається якась первісність і цнотливість.
Амедео Модільяні. Оголена, що лежить. 1917. Полотно, олія. 65 х 100 см. Пінакотека Джованні і Марелла Аньєллі, Турин.
У Модільяні зовсім інше розуміння форми, основна увага художник приділяє плинної рухомий лінії, яка надає зображенню пластичну щільність. Це не абстрактний, рафінований образ, а реальне, емоційне зображення чуттєвої жінки. На початку XX століття такі еротичні образи ображали «суспільну мораль», що призвело до блискавичного закриття першої персональної виставки Модільяні в Парижі.
Пабло Пікассо. Оголена, що лежить, яка грає з кішкою. 1964. Полотно, олія. 114 x 194,5 см. Фонд Бейелера, Ріен / Базель.
Великий Пабло Пікассо звів захват і захоплення перед досконалою красою оголеного жіночого тіла до рівня карикатурного висміювання. Але разом з тим його «Оголена, що лежить, яка грає з кішкою» вкрай матеріальна, в ній відчувається шалена сексуальна енергія.
На відміну від живописців, фотографи виявилися в більш вигідному положенні в пошуках художніх прийомів, оскільки використовували нові експериментальні фотографічні техніки. Робота «Скрипка Енгра» - це одна з найвідоміших фотографій Ман Рея. Двоїстість назви, перетин і накладення один на одного різних смислів: звернення одночасно до живопису Енгра і фактом його біографії - він чудово грав на скрипці, а також антропоморфне схожість скрипки з жіночим тілом. Фотомонтаж, синтез матеріального і тілесного, штучного і живого, - прийоми, які часто експлуатуються фотографами.
Ів Кляйн. Антропометрія без назви. Близько I960. Полотно, пігмент, синтетична смола. 220 х 160 см. Приватна колекція.
Найбільш послідовно з усіх європейських художників 1950-х Кляйн йшов до того, щоб знайти заступник живопису, перетворити статус картини, наблизивши її до речі, але такою, що в традиції європейської думки представляється безцінною, культової. Він знайшов нове фірмове засіб - «живу кисть», тобто зображення створювалося за допомогою відбитка людського тіла. У 1960 році в Міжнародній галереї сучасного мистецтва в Парижі Кляйн влаштував публічний сеанс створення таких картин- «антропометрії». Саме уявлення народження картини з духу перформансу або, як його називали, «живого мистецтва», нагадувало еротичне шоу. У присутності світської публіки Кляйн, одягнений в смокінг, диригував групою оголених дівчат, які гладили один одного вимазаними в синій фарбі долонями, а потім притискалися забарвленими тілами до полотна або притискали до полотна один одного. Кляйн поміщав глядачів в зону впливу еротичного потягу, але при цьому відводив їм досить незручне становище пасивних свідків. Глядачі були змушені нерухомо сидіти в кріслах, як в оперному театрі, перебуваючи всього лише в метрі від абсолютно голих, що валяються біля їхніх ніг дівчат.
Орлан. Орлан у вигляді «Великий одаліски» Енгра. 1977. Чорно-біла фотографія, виконана на папері Fine Art. 150 x 210 см. Приватна колекція, Париж.
Том Вессельман. Велика американська оголена / 79. 1965. Полотно, акрил. 167 х 180 см. З приватної колекції, Нью-Йорк. Збори Галереї Джона Сайє-Бельчатовского, Париж.
Навіть такі знаменитості, як Марлен Дітріх скромно займали місця на легендарній сходах будинку моди, коли Діор представляв свої твори.
Сукня «Diorama». Лінія одягу «Corolle». Чорна сукня з вовняного крепу, облягаючий верх з короткими рукавами і вузькою талією, обтягнутою чорним шкіряним ременем, пишна спідниця і комір, обшиті чорним атласним кантом. Колекція від кутюр осінь-зима 1947-1948. Спадщина Будинку Dior, Париж.
Сукня «Mirza», колекція від кутюр весна-літо 1951. Лінія одягу «Naturelle» (Природна). Післяобідній плаття з темно-синього в білий горошок шовку, декольте, ліф з темно-синього оксамиту. Спадщина Будинку Dior, Париж.
«Caprice». Вовняне плаття відтінку «королівський синій». Колекція від кутюр весна-літо 1948. Лінія одягу «Zig-Zag». Спадщина Будинку Dior, Париж.
Пальто «Arizona». Колекція від кутюр осінь-зима 1948-1949. Лінія одягу «Ailée» (Крилата). Яскраво-червоне вовняне пальто. Спадщина Будинку Dior, Париж.
Незважаючи на любов до певних кольорів, палітра Крістіана Діора була достатня різноманітна. Головне, щоб сама тканина, її фактура, колір і малюнок, після того як шматок матерії перетвориться в дамський туалет, органічно поєднувалися з створеної моделлю, підкреслювали її силует. Традиційно у всіх колекціях Діор присутній червоний колір - символ життя і пристрасті, колір маку і герані, «самий однозначний і самий рафінований колір, це мій щасливий колір» - говорив Крістіан Діор. Червоний колір надавав урочистості жіночним нарядам, вносив необхідну частку пафосу, підкреслював форми і силуети, що завжди було для кутюр'є принципово.
Приталене розкльошені манто з бантом. Колекція осінь-зима 1955-1956 року. З колекції Олександра Васильєва. (Н.е.)
Двобортне манто силуету «New look» з жаккардової тканини. Колекція осінь-зима 1955-1956 року. З колекції Олександра Васильєва. (Н.е.)
Коктейльне плаття з треном. Колекція осінь-зима 1955-1956 року. З колекції Олександра Васильєва. (Н.е.)
Сукня з рожевого тюлю. Колекція осінь-зима 1955-1956 року. З колекції Олександра Васильєва. (Н.е.)
Вечірнє атласну сукню. Колекція осінь-зима 1955-1956 року. З колекції Олександра Васильєва. (Н.е.)
Футболка силуету «Н». Колекція осінь-зима 1955-1956 року. З колекції Олександра Васильєва. (Н.е.)
Будинок моди Діор привіз до Москви одну зі своїх колекцій одягу в 1959 році.
Дамський костюм «Бар». 1947. Ілюстратор Крістіан Берар. З колекції Музею Крістіана Діора, Гранвиль.
Червоне денну сукню з вовняного крепу. Лінія «Longue». Колекція осінь-зима 1951-1952. Спадщина Будинку Dior, Париж.
Сукня «Curacao» Колекція від кутюр осінь-зима 1954-1955. Лінія одягу «Н». Сукня для коктейлів з фая кольору слонової кістки, ліф декольте на широких бретелях з защипами. Пишна спідниця, зібрана на лівому стегні. Спадщина Будинку Dior, Париж.
Денний костюм з сірої вовняною фланелі, що складається з довгого жакета та спідниці в широку складку. Ів Сен-Лоран для будинку Діор. Лінія «А». Колекція від кутюр осінь-зима 1957-1958. Спадщина Будинку Dior, Париж.
Як тільки хвиля інтересу до варіантів силуету «New look» у вигляді пісочного годинника пішла на спад, вірний собі, Крістіан Діор запропонував нову лінію, позначену в історії буквою «Н», але яку сам кутюр'є назвав і жартома і всерйоз «зелена квасоля» , а модні журнали охрестили як «прямий погляд». Наприклад, вечірню сукню кольору слонової кістки. Потім Крістіан Діор задумав, передбачивши моду 60-х, трапецієподібні моделі з укороченими спідницями. І Ів Сен Лоран, вже після смерті Діора, показав задуману разом з майстром лінію «Трапеція», яка через рік перетворилася в лінію «А» - силует, рівномірно розширюється донизу (перекладина букви А відповідала заниженою талії).
Сукня «Curacao» Колекція від кутюр осінь-зима 1954-1955. Лінія одягу «Н». Спадщина Будинку Dior, Париж.
Костюм «Chicago». Куртка з чорної крокодилячої шкіри з опушкою з чорної норки. З колекції Дідьє Людо, Париж. Спідниця з чорного вовняного букле. Фонд П'єра Берже-Ів Сен-Лорана. Колекція від кутюр осінь-зима 1960-1961.
Жан-Лу Сьефф. Манекенниця Марина Ск'яно в плаття Ів Сен-Лорана з колекції «40-ті роки». 1960-і
Марк Боан змінив Іва Сен-Лорана на посаді арт-директора Будинку Моди Діор, пропрацювавши в цій якості з 1960 по 1989 рік.
Майже 30 років Боан обережно, чуйно і тактовно збагачував традиції новими віяннями. Але в епоху, коли мода ставала предметом пересудів в силу своєї революційності і епатажу, цього сором'язливого, вишуканого людину, не володів, на відміну від інших дизайнерів, умінням ефектно подати себе в очах журналістів, зазвичай обходили увагою. Присвятивши всю свою кар'єру ремеслу в класичному сенсі цього слова, Марк Боан закінчив професійну діяльність в Лондоні, де спробував вдихнути нове життя в поважний будинок Нормана Хартнелла.
Дамський костюм «Gamin». Колекція від кутюр осінь-зима 1961-1962. Ансамбль з чорно-білого твіду. Короткий двобортний жакет, спідниця-трапеція і шарф. Спадщина Будинку Dior, Париж.
Молодіжна революція не обійшла і будинок моди Діора. У колекції 1967 року, що яку Марк Боан створив для лондонської філії будинку, з'явилися психоделічні візерунки.