1. Модерн як предтеча сучасного мистецтва
3. Народження і розвиток сучасного мистецтва
Список використаної літератури
Сучасне мистецтво в нинішньому своєму вигляді сформувалося на рубежі 1960-70-х років. Художні шукання того часу можна охарактеризувати як пошук альтернатив модернізму (найчастіше це виливалося в заперечення через введення прямо протилежних модернізму принципів). Це виразилося в пошуку нових образів, нових засобів і матеріалів вираження, аж до дематеріалізації об'єкта (перформанси та хеппенінги). Багато художників пішли за французькими філософами запропонували термін «постмодернізм». Можна сказати, що стався зсув від об'єкта до процесу.
Кінець 70-х і 80-х роках охарактеризувалися «втомою» від концептуального мистецтва і мінімалізму і поверненням інтересу до образотворчості, кольором і фігуративности (розквіт таких рухів як «Нові дикі»). На середину 80-х доводиться час підйому рухів, які активно використовують образи масової культури - кемпізм, мистецтво іст-Віллідж, набирає сили нео-поп. До цього ж часу відноситься розквіт фотографії в мистецтві - все більше художників починають звертатися до неї як до засобу художнього вираження.
Розглянемо докладніше всі вище викладене.
1. Модерн як предтеча сучасного мистецтва
Першим прогресивним, незвичайним і можливо шокуючим провісників нових віянь в мистецтві став стиль модерн.
Блискучий зліт стилю модерн (англ. І фр. Art Nouveau, ньому. Jugendstiel) тривав трохи більше десятка років, проте на рубежі ХIХ-ХХ століть його органічні форми переважали в усіх видах образотворчого мистецтва і дизайну.
У 1895 р виходець із Німеччини та торговець картинами Самуїл Бінг відкрив в Парижі художню галерею. Будучи знавцем і цінителем японського мистецтва, він відчинив се двері новітніх течій в станкових і прикладних жанрах і назвав своє дітище «Art Nouveau» - «Нове мистецтво».
На першому ж вернісажі було виставлено багаті зібрання живопису, скульптури, графіки, кераміки, художнього скла і меблів, вражає різноманітністю стилів. Однак при всій цій строкатості у багатьох виставок галереї були дві спільні риси - відмова від традицій реалізму в користь символічної екзотики і схиляння перед декоративним потенціалом хльостких, немов удар бича, ліній.
З часів Відродження в західному мистецтві безроздільно панував реалізм. Неперевершеними майстрами створення ілюзії тривимірного простору по праву вважалися Караваджо (1571-1610) і його послідовники. У XIX столітті публіка цінувала в картинах, перш за все, достовірне зображення реальності, удостаівая найвищих похвал фотографічно скрупульозні картини таких майстрів, як Енгр (1780-1867). Навіть повсталі проти суворого академізму імпресіоністи прагнули до гранично точному перенесенню на полотно своїх чуттєвихсприймань.
Всевладдя реалізму прославило станковий живопис до положення «цариці мистецтв», відсунувши в тінь декоративні та прикладні жанри, тому самі обдаровані художники тяжіли саме до неї. Як результат, прикладні мистецтва і характерна для них абстрактна орнаментика виявилися на задвірках, і до середини XIX ст. утворилася справжня прірва між станковими живописцями, яких вважали істинними художниками, і животіти на положенні ремісників майстрами декоративного мистецтва.
Перелом в цій тенденції, що зіграв вирішальну роль в становленні модерну, був, по суті, справою рук однієї людини - Вільяма Морріса (1834-96). Обурюючись на несмак масового «ширвжитку», Морріс вважав, що мистецтва і ремесла нероздільні, і всі навколишні людини предмети повинні бути позначені печаттю художника.
Оволодівши професіями червонодеревника, склодува і друкаря, Морріс заснував в 1860-х рр. майстерні, в виробах яких проявилося творче злиття мистецтв і ремесел. Сам Морріс не знав собі рівних у створенні орнаментів для шпалер і шпалерних тканин, черпаючи натхнення в рослинних мотивах живої природи. Багато орнаменти Морріса популярні і сьогодні.
Одним із сподвижників Морріса був Едвард Берн-Джонс (1833-98), чий декоративний стиль сформувався під впливом прерафаелітів. Тонке витонченість лінійних плетінь Берн-Джонс перейняв у середньовічних ілюмінованих манускриптів. Будучи прямим наслідком роботи майстра в чорно-білій книжковій графіці, ця манера яскраво проявилася і в його живописних творах, орнаментальні ефекти яких були зовсім далекі тодішньому академізму. Рух мистецтв і ремесел зробило могутній вплив на розвиток стилю модерн.
В інших куточках Європи художні підвалини піддалися атаці з абсолютно інших позицій. Поставивши під сумнів естетичні цінності імпресіонізму, художники 1880-90 рр. вихлюпнули на полотно охоплювали їх ідеї та почуття. Вирвавшись з пут зримою реальності, прихильники символізму і члени групи «Набі» заповнили підкреслено двомірне мальовниче простір вихровим буйством фарб і, подібно до Морісу і Берн-Джонса, широко використовували пластичне багатство лінійного малюнка.
Творчість Бердслі викликало фурор в світі мистецтва, і його хвилеподібна лінійна графіка почала даватися взнаки в роботах художників, дизайнерів і архітекторів всієї Європи. Саме в такій манері створював свої декоративні полотна голландець Ян Тороп (1858-1928) в т. Ч. Пронизаних тривожним символізмом «Трьох наречених» (1893), а в Берліні норвежець Едвард Мунк (1863-1944) зумів висловити всю безодню горя і відчаю в картині «Крик» (1893).
В архітектурі одним з найяскравіших представників нового стилю став бельгієць Віктор Орта (1861-1947), який звернувся до методів дизайну для вивчення конструктивних можливостей скла і сталі в серії зведених в Брюсселі особняків, готелів і офісних будівель. Одним з його перших творінь був особняк Тассель, де ритміка хльостких, як удар бича, ліній перетворює просту конструкцію житлового будинку в гармонійну художню композицію. Вперше виникає на фасаді рухливий рослинний мотив пробігає через вестибюль на головні сходи, розсипається по стінах, стелях, паркету і поручнів, повторюючись відгомонами в чавунному лиття, ліпнині і розписах.
У будинках Віктора Орта лінійна графіка Бердслі перетворилася в органічну пластику повзучих ліан. Цей стиль з успіхом підхопив паризький архітектор Гектор Гімар (1867-1942), який здобув популярність проектами станцій паризького метро. Навіть найпростіші з них виростають із землі литими чавунними стеблами, зближуючись арками над входом. Людина з багатою уявою побачить в них величезні качани капусти зі скла і сталі. Схожі асоціації викликають і багато інших будівель Гимара в Парижі, а також створена за його ескізами меблі та оздоблення інтер'єрів.
Інша справа інтер'єр і меблі. Малі форми і більш податливі матеріали надихали майстрів модерну на більш ретельну і продуману обробку, і такі дизайнери, як Хенрі Ван де Велде (1863-1957), створювали ефектні ескізи предметів внутрішнього оздоблення - письмових столів, свічників, світильників і столових приладів. Настільки нестримне політ фантазії був далеко не всім до вподоби. Послідовник Морріса Уолтер Крейн називав модерн «дивною декоративної хворобою», і багато знаходили потворними гротескні образи Бердслі, Мунка і Торопа, перебільшені форми Гимара і Гауді.
Подібні естетичні проблеми нітрохи не турбували Чарльза Ренні Макінтоша (1868-1928). У його творчості знайшла вираження швидше вишукано стримана японська грань модерну, ніж чуттєво-декадентські експерименти Бердслі і його послідовників.
Разом з дружиною Маргарет Макдопальд, її сестрою Френсіс і чоловіком сестри Гербертом Макнейра Макінтош створив витончений, холодний, прямолінійний стиль в архітектурі, декорі та меблів. «Четвірка» працювала, головним чином, в Глазго, реалізуючи такі проекти, як «Вербові чайні кімнати», степи яких прикрашені в японському стилі жіночими фігурами, вплетеними в стилізовані рослинні мотиви на плоскому монохромному тлі. Ті ж вишукані рослинні мотиви повторюються в окреслених вертикальними металевими палітурками дверних вітражах, меблів і світильниках чайних кімнат.
З особливою силою цей стиль проявився в найбільшому творінні Макінтоша - будівлі Школи мистецтв в Глазго. Вся його конструкція монументально сувора і практична, нічим не нагадуючи органічні форми Гимара і Гауді. Втім, і тут стилізовані рослинні мотиви виникають в обрисах декоративного литва.
Прямолінійний стиль Макінтоша і його соратників зробив сильний вплив на творчість австрійського живописця Густава Клімта (1862-1918), чи не самого послідовного живописця стилю модерн. У своєму найвідомішому полотні Клімт оточив створену «четвіркою» витягнуту жіночу фігуру мерехтливим узором абстрактних форм і многоцветьем фарб з металевим відблиском, що призводять на пам'ять поліхромну стінну кераміку Антоніо Гауді. Звернувшись до техніці мозаїки, Клімт домігся сліпучого ефекту в своїх фресках для палацу Стокле в Брюсселі (1905-11).
До 1910 р майже всі титани модерну звернулися до інших художнім стилям, і на їх місце прийшли посередні епігони. І все ж, незважаючи па короткий вік, цей динамічний стиль надав неминуще вплив на мистецтво, а його архітектурну спадщину донині радує наше око.
На зміну модерн прийшов стиль «ар деко». Сміливі геометричні форми «ар деко» були останнім словом в дизайні протягом 1920-30-х років. Відрізнявся розкішшю і вишуканістю, стиль «ар деко» вплинув на зовнішній вигляд майже всього - від пудрениць до океанських лайнерів.
«Ар-деко» зародився напередодні Першої світової війни, коли переважали тонкі, гнучкі форми, властиві модерну, або «ар нуж» (по-франпузскі «Art Nouveau» - «нове мистецтво»). «Ар-деко» з його різкими і рвучкими лініями був, по суті, повною протилежністю модерну. Перші ознаки змін з'явилися в 1909 році, коли в Парижі з тріумфом виступив Російський балет. Сміливі, барвисті костюми і декорації Леона (Лева) Бакста вразили парижан і, підхоплені кутюр'є Полем Пуаре, стрімко завоювали симпатії публіки. Згодом картини кубістів і архітектура модерністів також вплинули на вже став популярним дизайн, зробивши модною тенденцію до простих і строгим лініям.
Ці тенденції разом з післявоєнним прагненням до всього гарного і новому склалися в 1920-і роки в оригінальний стиль «ар деко». Його головними рисами стали сміливі, впорядковані форми, яскраві, чисті кольори і - що важливо - сучасні матеріали, такі як полірований хром і пластик (в той час, як правило, бакеліт). Пластик офарблювався в яскраві кольори і, так само, як і хром, полірувався до блиску. Гладкі сяючі поверхні стали одним з основних ознак «ар деко». Широко застосовувалися також скло, кахель, емаль, бронза і коване залізо. Типовими виробами, виконаними в цьому стилі, були панни, освітлювальні прилади і особисте приладдя, такі як пудрениці, наручний годинник і портсигари.
Геометрія «ар деко» простежується в багатьох будівлях 1920-30-х років, наприклад, в обрисах і декорі хмарочосів (Емпайр-стейт-білдінг і Крайслер-білдінг в Нью-Йорку) і штаб-квартири Британської радіомовної корпорації (Бі-Бі- Сі) в Лондоні. «Геометризм» став також відмінною рисою моди. Звільнені від корсета жінки прагнули змінити свою природну зовнішність, підстригся волосся до рівної чубчика і роблячи бюст як можна більш плоским. Крім того, капелюхи у формі ковпака, сукні прямого крою і короткі спідниці створювали зоровий ефект більш високого зросту; навіть чіткі контури і сміливий колір помади, наносять в формі «лука Купідона», можуть розглядатися як чисте прояв стилю «ар деко».
Сувора символіка «ар деко» була особливо ефективною для деяких видів малюнка. Сонце і його промені, стилізовані зиґзаґоподібні спалаху блискавки і ступінчасті об'єкти (наприклад, піраміди) використовувалися особливо часто. Новим було також блочно-геометричне накреслення літер, що створює ефект тривимірності; часто на фасадах магазинів, фабрик і станцій метро букви виконувалися рельєфно і монтувалися окремо один від одного.
Сьогодні речі в стилі «ар деко» стають рідкісними і дорогими експонатами колекцій, будівлі перебудовуються або зносяться, проте інтер'єри 20-х і 30-х років ще можна побачити в багатьох старих фільмах. Навіть їх вступні кадри, що представляють логотип кіностудії, можуть бути типовим «ар деко» - наприклад, обертається скляний глобус і Сонячна система компанії «Юніверсал Пікчерс». Декорації фільмів за участю Фреда Астера і Джинджер Роджерс - розкішні номери готелів, танцювальні зали, коктейль-бари - служать наочними прикладами стилю. Самі будівлі кінотеатрів часто хропуть деталі характерних інтер'єрів того періоду.
Ці плакати відображали доступність подорожей, а також тягу до розкоші, швидкості і новій техніці, типову для міжвоєнних років, коли забруднення навколишнього середовища транспортом ще не стало глобальною проблемою.
Прості, обтічні форми автомобілів, поїздів, літаків і морських лайнерів стилістично були вельми в дусі «ар деко», і в той же час градація транспорту по класах (рівнями комфортабельності) привела до розквіту оздоблення салонів літаків, кают пароплавів і купе поїздів. Декоративні елементи, такі як фігурки з капотів автомобілів, є зараз предметом колекціонування, а на сучасних виставках «ар деко» можна нерідко побачити ретельно і цілком відновлений інтер'єр, наприклад, залізничного вагона.
Задоволення, яке відчувається від сусідства сучасності і ностальгії, допомагає пояснити глибоке і не вичерпуються і донині чарівність «ар деко», що залишається одним з найбільш яскравих стилів дизайну XX століття.
Читати далі: Народження і розвиток сучасного мистецтва
Інформація про роботу «Сучасне мистецтво»
Магнус Шарманофф (1964) поставив собі за мету відобразити в своїх роботах історію фінського і західного мистецтва взагалі. У постановочних фотографіях він відтворює класичні твори фінського мистецтва або сюжети з античної міфології. Сучасне мистецтво Фінляндії знову звернулося до графіку - як традиційної, так і в поєднанні з фотографією. Також зростає інтерес публіки до малюнка - виставки.
у нас ще зберігається шанс споглядати щось непомітне і звичайне. В житті, навпаки, ми приречені на те, щоб дивуватися незвичайного. Функція, яку виконує сьогодні музей сучасного мистецтва - залишатися останнім культурно захищеним місцем індивідуального спілкування з повсякденною нормальністю, нудьгою і посередністю, передбачає також і те, що мистецтво тут зберігає деяку.
архітектурного пейзажу і марини як різновидів пейзажного жанру). Виникають нові синтетичні жанри (наприклад, поєднання побутового жанру з пейзажем, групового портрета з історичним жанром). Актуальність сучасного мистецтва. Вона обумовлена зростанням в умовах постмодерного суспільства ролі культури і мистецтва як найважливіших механізмів саморозвитку і самопізнання людини в його.