Основні принципи японського живопису. Гравюра. Хокусай
У ранніх японських пейзажах, в яких чітко відчувається вплив китайського пейзажного живопису, перш за все епохи Тан, ми бачимо нагромадження гір, вод і кущів. Пізніше приходить простота і лаконічність, створюються «порожні пейзажі»: вчений споглядає водоспад або пливе в човні в супроводі хлопчика, або поет пише вірші, милуючись опалим листям. Пейзаж скорочується до двох-трьох деталей - ледь намічені на периферії сувою гори, кілька листя або гілок (рис. 71).
Мал. 71. Кадзан Ватанабе «Весняний пейзаж»
Японські художники на відміну від західних не створюють ілюзію суцільний поверхні картини, а залишають великі простори незаповненими, називаючи цей прийом ма - «проміжок», «пауза». Ма може міститися в спектаклі театру Але чи Кабукі. в архаїчних танцях і піснях - пауза під час дії; у вірші - тоді це цезура; в живописі або гравюрі - це незаповнені «порожні» частини поверхні паперу або шовку. «Пустота» такого роду народжує образи та ідеї, які іншим чином з'явитися не можуть. Японський дослідник Такасі Ісікава, кажучи про ма. зазначив: «Художник через порожній простір може висловити такі явища природи, як туман, серпанок, хмари, вода, або дати натяк на нескінченність світу» [231].
Героя таких картин в Китаї називали «відокремленим людиною, вільним чоловіком», він насолоджувався спокоєм і спогляданням самотнього життя в горах, вдавався до роздумів про природу, зірках, віршах, розмовляв з друзями, насолоджувався вином і чаєм.
Можливо, слідуючи цій традиції, Кадзан Ватанабе (1793-1841) на своєму свиті «Весняний пейзаж» (шовк, туш, підмалювання) зобразив поета Басьо, творця тривіршів хокку (хайку). Зберігається навіть портретна схожість. Басьо пізнаваний, як і на зображених тушшю ілюстраціях до його щоденника «По стежинах півночі»: кругла лиса голова, великий ніс, зосереджений сумний погляд. Звичай бродити по Японії в бідній одязі ченця і солом'яних сандаліях характерний для поетів тієї епохи. Басьо, як і інший великий поет, який писав танка. - Сайга, бродив по дорогах Японії, здійснюючи багатоденні переходи по горах і долах, де не зустрінеш нікого, де можна забути про життя в долинах.
Полюю на вишні в цвіту.
У день проходжу я - славний ходок! -
П'ять ри. а часом і шість.
(Переклад В. Маркової)
Такі пейзажі - порожні, одноколірні, з мінімумом деталей - цілком плід самоспоглядання, в них деталі не настільки важливі, вони не реалістичні, це цілком умогляд. Сайга знаменитий тим, що, побачивши морський пейзаж з островами в місцевості Мацуяма, не створив жодного вірша. Це було сприйнято його сучасниками як оптимальним чином творів. «Пейзаж був такий прекрасний, що великий поет зустрів його глибоким мовчанням» - такою була спільна думка.
На картині Ватанабе ми бачимо Басьо, перед очима якого розгортається «порожній пейзаж»: ледь проступають кручі гір, силуети дерев, легкими помахами пензля намічені біло-рожеві квіти сакури. Він вбирає в себе пейзаж повністю і у всіх деталях, напружено вдивляючись і приймаючи його в себе в ритмі дихання. За його спиною другорядний персонаж - хлопчик з поклажею, його фігура відтіняє напружену увагу майстра, вникає в суть речей.
Відомо, що захоплене шанування Японії починалося з захоплення японськими гравюрами. Довгий час образ Японії в свідомості європейців зливався зі світом сюжетів японської класичної гравюри. Цей вид мистецтва Японії найбільш популярний і найкраще вивчений.
Першими збирачами японської ксилографії в Європі стали люди мистецтва - Едуард Мане, Едгар Дега, Ван Гог, Каміль Піссарро, Поль Гоген, П'єр Боннар, Анрі Тулуз-Лотрек, Жюль і Едмон Гонкури, Еміль Золя. Багатьох європейських художників залучав в роботах японських майстрів не тільки національний колорит, а й дивовижні композиційні побудови, несподівані ракурси, тонке відчуття лінії і кольору. Захід стикнувся з принципово іншою системою, де були вирішені завдання, які ставили перед собою імпресіоністи і постімпресіоністи: посилення ролі локального плями і чистого кольору, передача в картині емоційного образу природи. Європейці інтуїтивно вловили саму суть мистецтва японської ксилографії - сприйняття Світу, що дозволяє одночасно фіксувати поодинокі, миттєві прояви життя і в той же час запам'ятовувати події, які набувають універсальний сенс.
Техніка друку з дерев'яної дошки, яка прийшла з Китаю одночасно з поширенням буддизму, відома вже з періоду Нара (710-794). До наших днів збереглися ранні ксилографії зображення буддійських святих і різного роду охоронних знаків, які робилися в основному для паломників. Пізніше, з періоду Хейан (794-1185), на гравюрах з'явилися божества і споконвічно японського синтоїстського пантеону, а також священні тварини (черепаха, журавель, короп). Без сумніву, ці ксилографії носили сакральний, магічний характер і використовувалися в якості оберегів і талісманів.
Початок XVII століття характеризується появою ілюстрованих ксилографических книг, що видавалися масовими тиражами, розширенням сфери їх побутування в міському середовищі. З'являється безліч видань, які пов'язані з буддизмом, а що ілюструють літературні твори того часу. У подібних виданнях текст і ілюстрації друкувалися чорним кольором з однієї дошки.
Виникла в XVII столітті в середовищі набирав силу «третього стану» - городян, ремісників, торговців - ксилографія відображала їхні погляди на мистецтво. Менш скута канонами, ніж класичний живопис, вона могла швидше реагувати на всі події, що відбуваються і, будучи найбільш масовим, популярним і доступним для городян видом мистецтва, розвивалася в руслі демократичних тенденцій, характерних для культури того часу. За змістом гравюра була тісно пов'язана з битопісательной сатиричної літературою укійо-дзоси. п'єсами театру Кабукі, нової поезією. Її стиль відповідав новим тенденціям в живопису Едо, в тематиці якої важливе місце зайняли жанрові сцени.
У укійо-е об'єктами зображення стають і пишна процесія знатного аристократа, що прямує з провінції до столиці, і хід бродяг, що йдуть по дорозі, і життя мешканок веселих кварталів, і події за лаштунками театру Кабукі. Воістину укійо-е можна розглядати як своєрідну ілюстровану енциклопедію життя едосцев.
Кольорова гравюра Район Нішікьо-е отримала широке розповсюдження в Японії з середини XVIII століття. У цій сфері працювали сотні професійних художників. Вони малювали акторів, повій, воїнів, простих людей, природу. Їх продуктивність була колосальною. Городяни із задоволенням купували копійчані гравюри, ретельно розглядали їх, ховали їх в альбоми. Вішати на стіни ці гравюри прийнято не було.
Живопис в Японії завжди наочно відображала основні тенденції культурного і суспільного життя країни. Епоха Едо (1603-1868) характеризується визначальною роллю інтенсивно розвиваються міст, які стали центрами розквіту торгівлі, ремесел і мистецтв. Саме в Едо (Токіо), нової столиці країни, почалося становлення нового напряму в образотворчому мистецтві - жанрового живопису, що отримала назву Укійо-е ( «картини повсякденного життя»). Напрямок формування цього виду живопису багато в чому визначалося смаками городян.
Мал. 72. Судзукі Харунобу «Літній полудень»
Найбільш відомими художниками епохи Едо були Кацусика Хокусай, Миягава Тёсюн, Кацукава Сюнсе, Тоехару Утагава, Ейсі Тёбунсай, Утамаро Китагава і ін.
Утамаро Китагава належить до найбільш відомим в Росії японським художникам. Його гравюри, в першу чергу з прекрасними жіночими образами, незмінно користуються успіхом у найширших глядацьких кіл (рис. 73).
Мал. 73. Утамаро Китагава «Біля річки Акутагава»
Один з найвідоміших у світі художників Японії - Кацусика Хокусай (1760-1849). Талант його багатогранний. Хоча він прославився головним чином як майстер кольорової графіки на дереві, Хокусай залишив багатющу спадщину в живопису, малюнку, ілюстрації книг. Він був прозаїком і поетом, широко освіченою людиною, глибоко вивчив стародавню культуру Китаю і Японії, знайомим з європейської гравюрою, методами європейського мистецтва.
Хокусай створив близько тридцяти тисяч малюнків і гравюр, проілюстрував понад п'ятсот книг. Виконані ним багатометрові традиційні мальовничі сувої - емакімоно. ілюструють легенди і сказання Японії, невеликі ошатні вітальні листівки сурімоно. книжкові ілюстрації, малюнки для різьбярів мініатюрних фігурок нецке. виготовлювачів віял, візерунки для ткачів і вишивальників - все говорить про виняткову широту його таланту, винахідливості, пильність очі і гнучкості розуму.
Але головною рисою Хокусая була його нестримна пристрасть до пізнання Світу. Хокусай був художником-філософом, і все, що відкривалося його проникливого погляду і поставало на папері його пензлем, осмислювалося їм з точки зору загальних законів Всесвіту, вічної і постійно змінюється життя Природи.
Особливу популярність придбали його картини, що належать до епохи Едо, об'єднані в серії «Японські водоспади», «Японські мости», «36 видів на гору Фудзі» та інші, що давно стали класичними творами японського живопису (рис. 74, 75, 76).
Мал. 74, 75, 76. Хокусай. Три пейзажу.
Але, мабуть, з часом гравюра стає самої плідної сферою діяльності Хокусая. В юності йому хотілося випробувати свої сили у всіх видах і жанрах графіки. Але найбільш яскраво талант молодого Хокусая розкрився в роботі над особливим видом гравюр - сурімоно. видавалися у вигляді вітальних листівок благопожелательная змісту, що зображують жанрові сцени, квіти і рослини, тварин і птахів, пейзажі, дерева, богів щастя і багатства, предмети - символи добра і добробуту.
Сурімоно відрізнялися особливою ошатністю, так як виконувалися до знаменних дат, свят, дат, пов'язаних зі зміною пір року, днів народження, весіль. У сурімоно обов'язково вводилася поетична напис, яка доповнює, а іноді і пояснює художній образ. Для цього виду гравюр зазвичай використовувалися дорогі сорти м'якої щільного паперу і застосовувалася особлива техніка гравірування і друку: кольоровий рельєф, тиснення, візерунки із шовкових ниток, присипка золотом, сріблом і перламутровим порошком. На відміну від звичайних гравюр сурімоно не продавали в книжкових крамницях. Їх видавали приватно, і для цього застосовували особливі фарби і особливу техніку друку.
Мал. 77. Хокусай «Жінка з в'язкою хмизу» (сурімоно)
Хокусай зі своїм експериментаторських духом і постійними пошуками засобів вираження істотно розширив кордони, що склалися в сурімоно тим і виразних можливостей, ввів нові мотиви, надав гравюрам значно більшу, ніж раніше, виразність.
Після 1805 року сурімоно Хокусая знову змінили свою форму. Вони збільшилися в розмірах і стали майже квадратними. Їхні образи придбали особливу поетичність, співзвучну супроводжуючим зображення віршам. У маленьких сценках художник зумів висловити глибокі й важливі судження про світ. Часом його сурімоно апелювали до стародавніх літературних образів, часом говорили мовою народної поезії, викликаючи в глядачах безліч різноманітних почуттів і асоціацій.
Так, про що насуваються зимових холодах, про домашнє тепло і затишок розповіло новорічне сурімоно «Жінка з в'язкою хмизу» (рис. 77), хоча на гравюрі немає ні зображення зими, ні новорічних приготувань, а показана лише молода селянка, що несе на голові в'язанку хмизу . Хокусай натяком розповів про наближення зими, нагадавши глядачам про сільського звичаї відправляти в місто в перші дні нового року дівчат для продажу хмизу городянам. Віршований текст, який супроводжує гравюру, створив з нею єдиний образ, розповівши про сільської дівчині - дарувальниці радості:
Фігура тонка, як верба,
В тумані легкому
(Переклад Н. Виноградової) [233]